Sinopsis: Samurai Princess es una peli dirigida en 2009 por Kengo Kaji. Este señor que escribió Tokyo Gore Police, escribe y además dirige este gorefest similar, del que vuelve a ocuparse del diseño de los FX Kaji Kengo, diseñando un nuevo festival de splatter, con escenas divertidas e imaginativas, unas más que otras, tal como hizo en Tokyo Gore Police, o sea, chorros y más chorros de sangre, miembros amputados volando, proyectiles en forma de tetas voladoras, etc Ambientada en un Japón alternativo cibernético de samurais y shoguns y los Mechas, androides que siembran muerte y destrucción. Después de que siete hermanas fueran violadas y asesinadas por unos sicarios de un chiflado, un científico loco revive a una de ellas para construir un Mecha, un organismo mecatrónico.
Se trata de una nueva muestra de cierta vertiente del actual gore nipón. Una serie de películas cortadas por el mismo patrón: Una atractiva protagonista embarcada en una búsqueda griálica (bien sea este grial la venganza, el conocimiento ó pura supervivencia) y un mundo que fusiona la carne con metal, armas y sexo. Estoy hablando de las Chanbara Beauty, Machine Girl, TGP Todos estos largometrajes acuden a los chorros de sangre, la exageración, amputaciones y la transformación del cuerpo en un arma viva
Casshern está ambientada en un mundo futuro no muy lejano, tras numerosas guerras y batallas las naciones de oriente han logrado dominar al continente europeo. Un investigador genético realiza el descubrimiento de las neo células, éstas permiten una rápida regeneración y mejora de las partes dañadas de un ser humano. Tras el rechazo del gremio científico, el ejército ve en este descubrimiento una posibilidad para crear el ejército definitivo e invencible.
No todo sale como se esperaba y el experimento da lugar a los Neo sapiens, soldados vencidos en combate con un pensamiento único: venganza. Estos Neo sapiens se enfrentarán al hijo del descubridor de las neo células, muerto en combate y resucitado gracias a éstas bajo el nombre de Casshern.
Bien, nos encontramos con una trama muy llamativa, basada en el comic del mismo nombre: Oh Daesu es encerrado una noche, sin saber el motivo, en un apartamento, con tan solo una televisión de compañía. Allí permanecerá mucho tiempo preguntándose quien le ha hecho esto y por qué. Pero transcurridos 15 años desde su encierro, le dejan libre para que pueda resolver el enigma y cumplir su venganza.
Con una primera secuencia espectacular y frenética, Old Boy te atrapa nada mas empezar, para luego llevarte por todo el camino de la venganza de Oh Daesu sin que te deje de interesar ni un momento El desarrollo es bastante típico: a medida que avanza el film iremos sabiendo más del porqué del aislamiento de Oh Daesu, pero narrado de una forma un tanto peculiar, con mucho ritmo y originalidad en las secuencias, dando información fragmentada para que te acerques más a las respuestas que nos hacemos junto al protagonista y se nos planteen otras nuevas. Una de las cosas que hace de Old Boy tan llamativa y novedosa es su mezcla de géneros; así, nos encontraremos con escenas de acción espectaculares, partes algo más sangrientas de lo normal e incluso puntos cómicos que nos darán un respiro a la acción; todo ello con el drama de la venganza de fondo.
La dirección es impecable, Park Chan-Wook; tiene una gran capacidad como director para sorprender y llevar al espectador por el camino que quiere; y para rodar escenas puramente visuales y complejas. Por ejemplo, las escenas de lucha de Oh Daesu contra los que le encerraron o la escena en la que empieza a recordar el por qué fue encerrado son sencillamente espectaculares y altamente originales y magníficamente dirigidas. También es muy destacable la cantidad de detalles que Wook nos brinda en la pantalla, que te atan a la historia y te dan la oportunidad de comprender acciones o decisiones sin que tengas que oírlo de las voces de los protagonistas.
El guión está bastante bien escrito, si nos fijamos en lo complicado que es mezclar géneros. Además, es un guión para que Wook muestre todo su potencial como director, con escenas puramente visuales, sin palabras y sin hechos. Los personajes están bien definidos, con especial dedicación al comportamiento de Daesu después de su aislamiento (interpretado de manera fantástica por Min-Sik Choi), que nos hará sentir todo su dolor. Otro personaje a destacar es Lee Woo-Jin, al que encarna de manera muy acertada Woo Ji-Tae, con el que, a medida que transcurre el film, pasaremos de odiarle a comprender su dolor. Incluso podríamos decir que es el co-protagonista.
La fotografía está realmente conseguida, con colores muy vivos y sucios (puede sonar algo contradictorio, pero si te fijas en la fotografía usada dentro del apartamento lo comprenderás), que dan un toque de irrealidad a algunas escenas para resaltar la espectacularidad.
En definitiva, los tres mejores adjetivos que definen Old Boy son espectacular, sorprendente y original. Una película que te dejará sin parpadear durante dos horas, de la que estoy seguro que con el tiempo se convertirá en obra de culto y servirá de inspiración a futuros films.
“The Machine Girl” es la nueva película de Noboru Iguchi, guionista y director japonés con varias cosas bizarras en su currículo. La cinta fue producida por Fever Dreams, los responsables de “Death Trance”, una muy buena mezcla de acción, aventuras y fantasía del 2005 que pronto comentaremos en el blog.
La cinta de Iguchi es una locura total ya desde su póster, en el cual vemos a una joven en uniforme escolar (típico estereotipo sexual japonés) portando una poderosa ametralladora en lugar de brazo izquierdo. Fetichismo y gore… ¿que más podemos pedir?
En la trama, Ami Hyuga, una excelente alumna y deportista de secundaria, jura venganza contra la mafia Yakuza que le arrebató la vida de su hermano menor. No todo sale bien, Ami es raptada por esta banda y es torturada hasta perder un brazo. Sin embargo, logra escapar, y junto a los familiares de otra victima de los Yakuza, reconstruye su brazo en forma de una poderosa ametralladora. Lo que sigue se deduce fácilmente, ¿no?
Si bien puede llegar a decirse que es una “copia” a Rose McGowan en “Planet Terror” de Tarantino y Rodríguez, no hay que olvidar que estos tampoco la inventaron sino que Sam Raimi ya lo había hecho en “Army Of Darkness” de 1992 reemplazando el brazo de Bruce Campbell por un motosierra. Otro punto en común con Tarantino son los minutos iniciales del film (muy a lo “Kill Bill”) y la música que decora toda la cinta.
Sin embargo, lo interesante de “The Machine Girl” es que los japoneses demuestran que en “bizarres” siempre van un paso más allá. Por ejemplo, no solo está la protagonista con una extremidad reemplazada por un arma, sino también veremos un “Drill bra” (un brasier perforador que son la envidia de Madonna) y una guillotina voladora, entre otras cosas.
En resumidas cuentas: el gore, la sangre, la violencia y las desmembraciones están a la orden del día y no van a defraudar a los que guardan fantasías de venganza hacen de “The Machine Girl” una buena opción para ver con amigos.
En el mundo hay varios portales que conectan nuestra dimensión con otra. Uno de ellos se encuentra en un bosque, que dos presidiarios han tenido la desgracia de escoger como lugar de encuentro con unos yakuzas para que les ayuden en su fuga. Los matones de los yakuza taren con ellos a una chica a la que mantienen secuestrada. Desde el primer momento no hay buena sintonía entre uno de los presos fugados y el grupo de mafiosos. Varios disparos más tarde, el preso y la chica se adentran en el bosque para huir de los matones, sin saber que van a verse envueltos en una historia de poder y muerte que empezó muchos años atrás...
Las espadas, mejor de dos en dos
No se hacer una peli así sin mancharse
Versus es una película atípica, con un personaje más macarra y chulo que el mismísimo Snake Plissken, zombies expertos en artes marciales que harían palidecer a Bruce Lee, katanas, patadas, balas, sangre, y tanta acción que hasta se olvida uno de que el guión pueda resumirse en una cuartilla, sencillamente no hay tiempo para pensar en ello. Las escenas de lucha están dirigidas con una técnica sorprendente para lo que se espera de un director debutante, mezclando cámara lenta, rápida, o salvajes movimientos de la misma con total naturalidad. Múltiples parodias y homenajes, desde el cine de Raimi a Matrix, momentos cómicos, y, eso sí, poco terror. Una joya del cine de culto.
Ryo y Akira son dos amigos inseparables. Ryo es fuerte, inteligente y audaz y Akira aunque no menos competente no logra ser mejor que él.
Akira vive junto a su prometida Miki y los padres de ella, a los que quiere como a su verdadera familia.
Un buen día el padre de Ryo morirá victima de la investigación que llevaba a cabo: aplicar una nueva forma de energía que en realidad esconderá una serie de demonios dispuestos a invadir la tierra. Desde ese momento poco a poco la humanidad irá siendo sustituida por demonios los cuales, buenos o malos, vivirán en continua represión.
Luego de un ritual, Akira logra sobrevivir y controlar al demonio que lo posee, convirtiéndose en Devilman, uno de los soldados del clan Demonio. Es llamado por el Gran Demonio para que extienda el caos en la tierra, es por eso que posee a Akira, para cumplir cumplir con su deber, pero el clan Demonio descubre que los va a traicionar, y todo por amor, así que envían a otro demonio para desafiar a Devilman.
Akira se hace mas fuerte de inmediato, su personalidad cambia, y cuando se enoja mucho transforma su aspecto en uno mas demoníaco, comenzando a actuar de una manera que él jamás se atravería.
La película resume en casi dos horas esta historia del anime, con una actuación que no es de lo mejor pero tampoco es para no verla. Destacar la animación 3D con la que están hechas algunas escenas.
Digamos que es una película de esas que ves por curiosidad o por ser un fanático de Go Nagai (su autor).
Muchos otros títulos del manga fueron creados después incluyendo Shin Devilman (que substituyó el tercer volumen entero del manga original en ediciones más últimas), Devilman y Amon Neo: Darkside of Devilman. Varios otros libros se han publicado dedicados a Devilman durante los 35 años pasados. En 2004, una película de Devilman del tokusatsu que usaba efectos del cgi fue lanzada. Desafortunadamente, fue rechazada universal en Japón, incluso por Devilman avienta. Por consiguiente, ganó el premio magnífico en las concesiones de Bunshun Kiichigo de Japón (la versión japonesa de las concesiones de Razzie, que se dan a la película peor del año). Va Nagai también lanzó una serie del manga llamada Violence Jack. La serie ocurre durante las consecuencias del Armageddon y de la batalla entre Satan y Devilman. Esta serie se convirtió en un anime de OVA en 1986, y fue lanzada en los EE.UU. alguna vez durante los años 90 en una versión corregida por Manga Video y un lanzamiento no censurado por la masa crítica. En 1997, entra Nagai mejoró la serie y creó a Devilman Lady (Devil Lady en los EE.UU.). Basan Devil Lady en la idea de Nagai de “¿qué pasaría si el personaje principal era una mujer?” La historia lleva un diverso acercamiento la historia presentada en sus contrapartes de Devilman. En señora diablo, una mujer ,jun Fudo aprende que ella tiene la capacidad de transformarse en un ser conocido como bestia devilman” o “del diablo” “. Una mujer nombrada funcionó Asuka demuestra para arriba y explica a ella que la las “energías” o los “regalos” creen realmente estar algo de una enfermedad conocida como “el síndrome de la bestia del diablo”. Incluso se indica que éstos “devilmen” son realmente el paso siguiente en la evolución humana como los medios de la supervivencia. La historia llegó a ser muy popular y fue hecha en una serie del anime en 1998. La serie consiste en 26 episodios y fue lanzada en EE.UU. durante finales de 2002 y principios de 2003. La serie Devil Lady es muy popular y contiene su propia historia original que esté parada hacia fuera de la serie de Devilman. El molde de Devilman, incluyendo Akira, Miki, Ryo Asuka, y Silene, también se cruzó encima con los caracteres de Mazinger Z y la violencia Gato en los 1991 CBES Chara de OVA va mundo de Nagai, también lanzado en el mercado italiano como mondo di Go Nagai del pazzo de Il. Este lanzamiento ofreció los caracteres familiares en antics cómicos y alegres, en forma “deformida” estupenda aplastada-abajo (los “CBES” en el título pueden referir a “chibi”, a un significado japonés del término “poco” o “pequeño”).
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Zatōichi(座頭市,Zatōichi) es una película japonesa de artes marciales con elementos de drama y comedia. Fue escrita, dirigida y protagonizada por Takeshi Kitano, un importante director de cine japonés. La película es una nueva adaptación de las aventuras de Zatoichi, un personaje de 26 películas de samuráis (desde 1962 hasta 1989) y series de televisión todas protagonizadas por Shintaro Katsu y que tuvieron un gran éxito en Japón. El guión se basa en una novela de Kan Shimozawa, quien también ayudó a escribirlo.
Argumento
La película está ambientada en el Japón del siglo XIX y narra una aventura de Zatoichi (Takeshi Kitano), un vagabundo ciego que vive de lo que gana dando masajes y jugando a los dados. Pero bajo esta apariencia esconde un gran secreto, es un maestro con la espada. El destino le lleva a un pueblo aislado en las montañas, que sufre bajo la presión de los secuaces de Ogi (Saburo Ishikura), dueño del burdel del pueblo. Él tiene como lugarteniente a Ginzo (Ittoku Kishibe), quien junto a su banda, exige a los habitantes del pueblo que les paguen por protección, o se atengan a sus represalias. Los atropellos de Ginzo han aumentado desde que se le unió un hábil espadachín rōnin llamado Hattori (Tadanobu Asano). Zatoichi hace amistad allí con una pobre mujer llamada O-Ume (Michiyo Okusu), su sobrino Shinkichi (Gadarukanaru Taka), muy aficionado a los dados, y a dos geishas, O-Kinu (Yuko Daike) y O-Sei (Daigoro Tachibana), que han llegado a la ciudad para vengar el asesinato de sus padres. Tales geishas sólo tienen como pista para hallar a los asesinos la palabra "Kuchinawa"
Es la undécima película guionista de Takeshi Kitano (Tokyo, 1947) como director y cuya filmografía tras Violent cop (1989), Boling point (1990), A scene at the sea (1991), Sonatine (1993), Getting any? (1995), Kid return (1996), Hana-Bi: flores de fuego (1997), El verano de Kikujiro (1999), Brother(2000) y Dolls (2002). Kitano suele protagonizar sus propias películas y las de otros (Gohatto, Battle royale, Tokyo eyes), combinándolas con estelares apariciones en televisión, donde presentó programas como Humor amarillo.
Es la primera vez que Kitano dirige una película de época, y cambia las pistolas por la espada.
Está protagonizada por el propio Takeshi Kitano, que como actor se presenta con el nombre de Beat Takeshi, junto a Tadanobu Asano, uno de los jóvenes actores más populares de Japón.
Chieko Saito, amiga del actor Shintaro Katsu, protagonista de las primeras series de Zatoichi, propuso al director hacer está película.
El personaje de Zatoichi es uno de los héroes mas populares del drama de época japonés sobre el que se han realizado varias películas. El director quiso modificar la figura de Zatoichi, que en anteriores versiones tenía el pelo oscuro, vestía un kimono claro y llevaba un bastón marrón en el que escondía su espada,para conseguir que fuera visualmente diferente, convirtiéndolo en una persona bastante excéntrica, con el pelo rubio platino y un bastón rojo sangre donde también esconde la espada.
Se basa en la novela de Kan Shimozawa y el guión es del propio Kitano.
Es la novena colaboración del director de fotografía Katsui Yanagijima
(Battle royale) con Kitano.
La banda sonora está compuesta por Keiichi Suzuki, solista, guitarrista y teclados del grupo japonés Moon Riders, que cuenta con 15 álbunes.
Kitano no quiso utilizar ni el ordenador ni los efectos visuales para las escenas de acción y únicamente lo utilizaron para los cortes y las heridas. Aunque había un coreógrafo para las escenas de lucha pero el propio director terminó haciendo la mayor parte de las coreografías, excepto la de la lucha de las dos geishas contra los hombres de Ginzo en la residencia.
El montaje también es de Kitano quien tuvo que utilizar muchos mas cortes que en sus anteriores películas.
La secuencia de lluvia de Zatoichi es el homenaje del director a Los siete Samurais de Kurosawa
Está producida por Asahi National Broadcasting Company, Bandai Visual
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Ambientada en el Japón feudal, esta película comienza con la incursión de un grupo enviado por el Emperador Ming de China con un propósito siniestro.
El grupo está escoltado por varios guerreros de élite, distintivos por sus capas rojas, los cuales además consumen una droga que los priva de sentir dolor físico. Esto los hace particularmente letales.
El motivo del viaje es edificar un altar para obtener un compuesto mágico que permitirá al Emperador obtener la vida eterna. El ingrediente principal del compuesto, sin embargo, es la sangre de un chico predestinado, quien ha de ser sacrificado durante una Luna llena en una sola época del año.
El chico en mención, llamado Kotarou, consigue escapar el primer ataque de sus enemigos y huye con rumbo a un templo en el que se supone estará a salvo. En el camino, se encuentra con un guerrero sin nombre, o Nanashi, quien lleva su espada atada con un lazo y ha hecho voto de no desenvainarla. Al principio, Kotarou lo convence de protegerlo mediante la promesa de un tesoro que guarda como único legado, pero eventualmente Nanashi se encariña con el chico y decide cuidarlo de propia voluntad, aunque nunca lo admitirá. Los dos, junto con Tobimaru, el perro de Kotarou, se ponen en camino hacia el templo, acechados por los feroces guerreros de la Dinastía Ming.
El enemigo más peligroso es el temible Lord Rarou, el cabecilla de los guerreros, un espadachín prodigioso ávido de un oponente digno. Rarou no es chino, pero su nacionalidad no es especificada. Mide seis pies de estatura, tiene cabello rubio y ojos azules. Su personalidad es fría, como todo soldado profesional, y se enorgullece del combate cuerpo a cuerpo sin artimañas.
Por otro lado, el enigmático Nanashi vive torturado por recuerdos de su pasado como guerrero. Su habilidad como espadachín es superior, pero, a como mencioné, no se atreve a desenvainar su espada por un motivo que es explicado posteriormente en la película.
La trama se desarrolla coherente, asimila el humor con la forma de llevarse que tienen Kotarou y Nanashi, intercalada con el drama del pasado de este último y las conspiraciones entre los Ming y sus aliados japoneses.
Los personajes tienen buen desempeño en la narrativa, y varios villanos logran granjearse simpatía. Particularmente, me gustó el uso de varias muertes en el desenlace, pues si bien son esperadas, consiguen impactar al público al estar bien manejadas.
Técnicamente, la película incorpora con éxito animación CGI fluida, sobre todo en los decorados, y consigue mezclarla con la tradicional exitosamente, obteniendo un producto final estético y pulido. Los combates están bien coreografiados, y la pelea final rivaliza con los mejores enfrentamientos en Samurai X, si bien es algo breve.
La banda sonora no despunta, pero es de buena calidad. Suenan mejor los temas que acompañan escenas de tranquilidad o dramáticas, que los arreglos para combate, salvo en el último, en el cual el sonido consigue transmitir emoción y dinamismo.
En general, considero a Sword of the Stranger como una película altamente recomendable y que no debe dejar pasar ningún apasionado del género de la espada japonesa. Hay en esta película un poco de todo para cada admirador de la animación japonesa, sin convertirse en una mezcla sin sentido de géneros. Es compleja y a la vez, no se siente pesada e invita a verla repetidas veces.
Resolución: 1920 x 1078 Audio: Japonés Subtítulos: Castellano Calidad: Blu-ray Disc rip Duración: 1 hora 42 minutos Formato: MP4 Tamaño: 1.8 GB
Kentei, año 3048 del Reino. En los territorios más al este del continente, una guerra ha perdurado por décadas.
Los territorios japoneses se encuentran en guerra, los clanes Kanayama y Daigo se encuentran enfrentados a muerte y el clan Daigo va perdiendo. Kagemitsu Daigo decide entonces realizar un pacto con 48 demonios para asesinar a Kagemitsu y así lograr su victoria.
El pacto es sencillo, a cambio del poder para derrotar a Kanayama y conquistar el mundo, Kagemitsu-dono les entregará a los 48 demonios el mismo numero de partes del cuerpo de su hijo que esta por nacer.
20 años después, una ladrona, que se hace pasar por hombre, se encuentra con un joven que tiene por brazos dos espadas. La primera vez que lo ve, lo encuentra luchando contra un demonio y es sorprendida cuando, al derrotarlo, su pierna crece de la nada. Ha conocido a Hyakkimaru
Dororo. Su nombre proviene del nombre de la espada que tiene en el brazo izquierdo (espada con la que tiene que matar a los demonios) y un apodo que significa “niño monstruo”.
20 años antes,
un hechicero de nombre Jukai, conocido por su habilidad en la medicina, encuentra flotando en un rio una canasta cuyo contenido es un bebe. Un recién nacido que se asemeja más a un gusano que a un h
umano. Al cuerpo del pequeño le faltan los brazos, las piernas, los ojos, la boca, la nariz y algunos órganos internos. Aún esta vivo gracias a la compasión de su madre que evito que su padre lo asesinara. Este pequeño bebe es el hijo que Daigo Kagemitsu entrego a los 48 demonios.
Jukai adopto al pequeño y gracias a sus conocimientos y habilidades le creo las partes del cuerpo que le faltaban. Un día un viajero llega al hogar de Jukai, y al enterarse de la historia del pequeño niño, le cuenta al hechicero sobre una espada forjada para la venganza nombrada Hyakki-maru, la espada de los 100 demonios Jukai entonces decide colocarle en los brazos sendas espadas, colocando a Hyakkimaru en su brazo izquierdo.
Así el pequeño niño adquiere el nombre de Hyakkimaru.
Años después, luego de completar su cuerpo y de un largoentrenamiento, Jukai, justo antes de morir, le indica a su hijo que él no es su verdadero padre, y le pide que queme su casa para evitar que su medicina caiga en manos equivocadas. Momentos después de haber quemado su antiguo hogar, Hyakkimaru escucha una voz que le dice como puede recuperar su cuerpo: “Asesinando a los 48 demonios con su espada izquierda”.De vuelta al presente,
obsesionada por conseguir la espada de Hyakkimaru, la ladrona decide unírsele con la única intensión de esperar a que Hyakkimaru derrote al demonio que tiene su brazo izquierdo así ella podrá adueñarse de la espada convencida que con ella conseguirá poder y fortuna. Al enterarse de su nombre, decide adueñarse del apodo Dororo sugiriéndolo como un excelente apodo para un ladrón, aún desconociendo su significado.Durante su viaje,
Hyakkimaru y Dororo, enfrentan y destruyen a varios demonios, hasta que llegan al castillo de Daigo Kagemitsu en donde Hyakkimaru se entera de la verdad de suvida, conociendo a su madre y a su hermano, Tahoumaru, quien se entera que su nombre era originalmente para su hermano mayor.
Hyakkimaru se enfrenta entonces al demonio más poderoso, que resulta estar junto a su padre. La lucha se torna entonces medio sentimental pues su madre, luego de reconocerlo, quiere que Hyakkimaru regrese junto a ella, y Tahoumaru se encuentra en un conflicto existencial, pues no sabe si su madre lo quiere más a él o a su hermano.
Luego de derrotar al demonio, y de perder a su padre, Hyakkimaru y Dororo, retoman su viaje para acabar con los demonios faltantes y así recuperar las partes restantes de su cuerpo.
Y seguimos. Dororo, los datos
Japón País
2007 Año
Akihiko Shiota Director
Osamu Tezuka, Masa Nakamura, Akihiko Shiota Escritores
Takashi Hirano Productor
Cast
Satoshi Tsumabuki Hyakkimaru
Kou Shibasaki Dororo
Kiichi Nakai Daigo Kagemitsu
Mieko Harada Yuri (Madre de Hyakkimaru)
Eita Tahoumaru
Katsuo Nakamura Músico Ambulante (El que le da la espada a Jukai)
Yoshio Harada Jukai
Sobre los Efectos y la Producción
Siendo una producción japonesa es de suponer que los efectos no sean la gran cosa. Esa fue mi suposición cuando me entere de la película y antes de verla. Cuando la vi me di cuenta que había cometido un error. Es cierto, no tienen la misma experiencia que los americanos, pero su esfuerzo hace que valga la pena. Los efectos son buenos, los demonios están bien diseñados aunque puede que algunos se vean muy falsos, lo que no le quita realismo a la película.
Escenas como la de la imagen anterior, muestran el esfuerzo de los productores y diseñadores de trajes y maquillaje. Una muy buena adaptación. En cuanto a música se refiere tiene una muy buena selección.
Ya para terminar solo decirles que aún faltan 24 demonios; así termina Dororo, dejando la puerta abierta para una posible secuela y para que nuestra imaginación vuele un poquito. Con un reparto e historia excelentes y una producción abrumadora, Dororo es una de las mejores adaptaciones de mangas que se han hecho.
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Un hombre de la clase obrera (Tsukamoto), vive rodeado de sus fetiches: desechos industriales de metal y recortes fotográficos de atletas afrodescendientes. Se apresta para continuar con su plan de incorporar objetos metálicos en su anatomía, pero algo sale mal y es tomado por el terror. Sufre un ataque de pánico y en la huida es atropellado por un automóvil.
El accidente desatará una serie de eventos en el que víctima y victimarios sufrirán las consecuencias de la venganza y del ansia desaforada que comparten íntimamente.
Trailer
Comentario
Objeto de innumerables y disímiles abordajes, Tetsuo es ese tipo de cintas que provocan reacciones extremas, animosidades polarizadas y mucha incomprensión.
Rodada en 16 mm, en blanco y negro, con un precario presupuesto y por un equipo de trabajo mínimo, encabezado por el propio Tsukamoto y Fujiwara Kei (ID, 2005 , disponible en nuestra videoteca), destacada cineasta experimental poco conocida en Occidente, con quien no sólo compartió la protagonización, sino también el guión, la edición y el trabajo de cámara.
Con ésta, su tercera película, alcanzó una inesperada atención internacional, que le ganó el calificativo de autor de culto y le permitió desarrollar una secuela (Tetsuo II. Body Hammer, 1992) y un remake (Tetsuo. The Bullet Man, 2009), hecho a petición de Quentin Tarantino, a color y coproducido por EEUU, que acaba de estrenarse en la 66ma., edición del Festival de Cine de Venecia 2009.
Muchas decisiones autorales acertadas confluyen en esta cinta para hacerla merecedora del sitio de honor que ostenta en la cinematografía contemporánea japonesa y mundial. En seguida enumeramos algunas :
El preciso y trepidante montaje que genera un inquietante dinamismo, aparentemente caótico, que atrapa y obliga al espectador a duplicar su atención.
Su selección del percusionista Ishikawa Chu - en el que sería el inicio de una colaboración recurrente a lo largo de la carrera de Tsukamoto -, para componer una banda sonora cargada con trashmetal, industrial, post punk, que complementa a la perfección la corrosiva textura de la cinta.
Su apuesta por técnicas más cercanas al videoarte (como lo son el time lapse y el stop motion) que a la típica espectacularidad de los largometrajes de terror , no sólo le permitió a Tsukamoto superar los límites técnicos de un presupuesto estrecho, sino que brindó al producto final un exquisito acabado artesanal, a la altura de los trabajos de Jan Svankmajer y los hermanos Quay. A nuestro juicio, la rusticidad lograda en los efectos especiales, en el vestuario y el maquillaje, cumple eficientemente su fin de acentuar el sinsentido apocalíptico, el carácter precario, frágil y decadente de la naturaleza de los personajes.
Similar apreciación hay que hacer sobre el trabajo actoral, que responde a la necesidad de mantener a los personajes enmarcados dentro de las performáticas del manga y el anime, auténticas fuentes de inspiración de Tetsuo, en nuestra opinión.
Esta consideración sobre el posible origen gráfico de Tetsuo también encuentra fundamento en la apuesta por el blanco y negro, que brinda un grano a la imagen que, junto a los encuadres, el trabajo de cámara y el montaje, aportan una particular perspectiva plana, bidimensional, y una dramática intensidad ambiental, muy usual en las obras del manga y el anime.
Esta apreciación también toma vuelo cuando se observa cierta similitud entre esta cinta y un clásico de esos géneros japoneses: Akira (Otomo Katsuhiro, 1988, también disponible en nuestra videoteca). En ésta, el coprotagonista, Shima Tetsuo, vive atormentado por su complejo de inferioridad y su frustrante competencia con Kaneda Shōtarō, el líder de la pandilla de la que el propio Tetsuo forma parte. Hasta que accidentalmente descubre los poderes sobrehumanos que posee y que lo llevarán a creerse omnipotente.
Si bien es cierto que entre el estreno de una producción fílmica y otra sólo distan algunos meses, hay que recordar que el manga se publicó exitosamente entre 1982 y 1993, de modo que no se descarta que Tsukamoto conociera esta obra tan popular para entonces. Por otro lado el tratamiento de ciertos arquetipos y temas en ambas obras, es común entre los creadores audiovisuales japoneses.
Ambos Tetsuo (el de Otomo y el de Tsukamoto) sufren una falta edípica, evidente en su ansia por hallar una fuerza sobrenatural que ampare y supere su frágil personalidad. Ésta fuerza será su objeto de goce y, finalmente, el único medio por el cual alcanzarán una fútil felicidad.
Por otro lado, tanto en Akira como en Tetsuo, la forma gráfica que poseen los monstruos biomecánicos es muy similar: desechos metálicos se amalgaman indiscriminadamente para constituir un ser amorfo, repugnante, de apariencia inestable, inacabada e inconsistente, toda una metáfora del humano atomizado y sobresaturado, propio de una sociedad postindustrial.
Sin embargo, el Tetsuo de Tsukamoto tomará un rumbo diferente al de Otomo, cuando finalmente asume que su búsqueda no es más que la de lograr la unidad fálica.
Como Edipo, el Tetsuo de Tsukamoto prefiere combatir a su Layo -presente en su mente como un viejo vagabundo (Ishibashi), en directa referencia a una imagen paterna repulsiva y agresiva-, asimilando su cuerpo al del conductor (Taguchi), su contendiente, y proclamando su lucha contra todo lo orgánico.
Tsukamoto subraya la derivación edípica de su Tetsuo, al presentarlo como una especie de virus artificial, que se inocula en las únicas 2 mujeres de la trama tan sólo para alcanzar a su contendiente. Tras cumplir su objetivo, ellas son desechadas.
La carga homoerótica también se evidencia en las ocasiones en que Tetsuo halla el amor, un amor evidentemente narciso, y que el director enmarca con una intencionadamente ridícula pieza de jazz mainstream. El resto de la cinta, se desenvuelve pendularmente entre la incomunicación de la pareja y el rechazo de la mujer como objeto de amor, en tanto simple vehículo para penetrar en el contendiente.
No es casual que la forma final del monstruo en el cual se transformó Tetsuo y su contendiente (el conductor que lo atropeyó), sea la de un falo gigante, como tampoco es casual que el primer componente dramático de la trama sea el momento cuando Tetsuo, rodeado de amasijos de metales (“Tetsuo es un nombre propio masculino japonés, cuyos dos kanji leídos independientemente significan hierro "鉄" y hombre "男”) y recortes de atletas afrodescendientes, se introduce una estaca de hierro en la herida que abre en su propio muslo. La misma estaca que el vagabundo exhibe como pene y utiliza como arma contra Tetsuo.
Ya en su forma final, los protagonistas pierden su distinción entre víctima/victimario y avanzan
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