martes, 22 de septiembre de 2009

¡Opening & Ending revelados!


















una nueva scan en b/n,del manga de Fairy Tail ha revelado los temas del Opening y Ending,de su nueva adaptacion a anime que estrena el 12 de octubre sin más los dejo con la info

Opening: Snow Fairy de Funkist
Un ejemplo del estilo de Musica de ese grupo: Tema Border de Funkist
Página Oficial del grupo Funkist
Ending: End-bi de Watarirouka(Creo que es asi, perdon si me equivoco)
Un ejemplo del estilo de Musica de ese grupo: Tema op 2 Blue Dragon Tenkai
Página Oficial del grupo Watarirouka

Creador de Macross lanza nuevo animé












Hace algunos días, diversos medios japoneses confirmaron que el célebre autor y diseñador de animé Shoji Kawamori (Macross, Escaflowne) lanzará televisión bajo el título de “Anyamaru Tantei Kiruminzuu”, aunque su fecha de estreno aún no ha sido revelada.

La serie constituirá un nuevo intento de Kawamori por acaparar al público infantil luego de la controversia causada por “Basquash!”, anterior obra de su autoría dentro de este género y que significó el repentino despido de parte de su staff antes de su finalización (para más detalles, véase el artículo “Director de Black Cat causa polémica en Japón”, dentro de esta misma sección”).

Sin embargo, a diferencia de lo ocurrido en “Basquash!”, en esta oportunidad la producción de la obra será responsabilidad de tres compañías en su conjunto: Satelight (estudio de animé del cual Kawamori es Director Ejecutivo y que ha puesto su nombre en títulos como “Heat Guy J”, “Macross Frontier” y la mencionada “Basquash!”), Hal Film Maker (“Saber Marionette”, “Oban Star-Racers”) y la pequeña firma JM Animation. La dirección, por su parte, será responsabilidad del animador Soichi Masui, quien sólo ha desempeñado igual cargo en la serie "Scrapped Princess" (2003).

Según lo brevemente revelado hasta el momento, “Anyamaru Tantei Kiruminzuu” girará en torno a tres pequeñas hermanas (Riko, Rimu y Nagisa) que pueden transformarse en animales reales con la ayuda de singulares disfraces conocidos popularmente como “kigurumis”.

Realizadores de Evangelion reviven animé cómico

















Recientemente, la cadena japonesa TBS sorprendió a muchos con el anuncio de que, a seis años del término de la serie original, el prestigioso estudio Gainax (Evangelion, Gurren-Lagann) se encuentra produciendo dos nuevos episodios del reconocido animé cómico “Mahoromatic”, con un estreno planificado para los días 17 y 24 de octubre a través de la mencionada emisora.

Según se indicó, estos dos nuevos capítulos titulados “Mahoromatic: Tadaima - Okaeri” (“Mahoromatic: He vuelto - Bienvenido”) serán historias alternativas de la segunda temporada y contarán con casi el mismo equipo técnico de las anteriores entregas, aunque en esta oportunidad la dirección del proyecto ha caído en las manos del animador Shouji Saeki (KonoMini, He is my Master) en reemplazo del experimentado Hiroyuki Yamaga (Honneamise no Tsubasa, Abenobashi). Tras el estreno en las pantallas japonesas, ambos episodios serán lanzados en DVD y Blu-ray el 23 de diciembre.

“Mahoromatic”, obra del dibujante Bow Ditama y el guionista Bunjuro Nakayama, nació en 1998 en la forma de un manga serializado dentro de las páginas de la revista Comic Gum de la editorial Wani Books, recopilándose a la postre en 8 volúmenes. Su importante repercusión derivó en que el afamado estudio Gainax decidiera adaptarlo al animé a través de dos temporadas (compuestas de 12 y 14 capítulos, respectivamente), cuya emisión original se desarrolló entre los años 2001 y 2003.

Cabe destacar que “Mahoromatic” ya tuvo en diciembre de 2003 un episodio extra: se trató del llamado “especial de verano”, aunque en esa oportunidad la producción técnica del proyecto fue realizada por estudio SHAFT (colaborador habitual de Gainax y responsable de series como MoonPhase y Pani Poni Dash!).

Peliculas-Tetsuo (Tetsuo. The Iron Man)


Sinopsis
Un hombre de la clase obrera (Tsukamoto), vive rodeado de sus fetiches: desechos industriales de metal y recortes fotográficos de atletas afrodescendientes. Se apresta para continuar con su plan de incorporar objetos metálicos en su anatomía, pero algo sale mal y es tomado por el terror. Sufre un ataque de pánico y en la huida es atropellado por un automóvil.

El accidente desatará una serie de eventos en el que víctima y victimarios sufrirán las consecuencias de la venganza y del ansia desaforada que comparten íntimamente.

Trailer


Comentario
Objeto de innumerables y disímiles abordajes, Tetsuo es ese tipo de cintas que provocan reacciones extremas, animosidades polarizadas y mucha incomprensión.

Rodada en 16 mm, en blanco y negro, con un precario presupuesto y por un equipo de trabajo mínimo, encabezado por el propio Tsukamoto y Fujiwara Kei (ID, 2005 , disponible en nuestra videoteca), destacada cineasta experimental poco conocida en Occidente, con quien no sólo compartió la protagonización, sino también el guión, la edición y el trabajo de cámara.

Con ésta, su tercera película, alcanzó una inesperada atención internacional, que le ganó el calificativo de autor de culto y le permitió desarrollar una secuela (Tetsuo II. Body Hammer, 1992) y un remake (Tetsuo. The Bullet Man, 2009), hecho a petición de Quentin Tarantino, a color y coproducido por EEUU, que acaba de estrenarse en la 66ma., edición del Festival de Cine de Venecia 2009.

Muchas decisiones autorales acertadas confluyen en esta cinta para hacerla merecedora del sitio de honor que ostenta en la cinematografía contemporánea japonesa y mundial. En seguida enumeramos algunas :

  • El preciso y trepidante montaje que genera un inquietante dinamismo, aparentemente caótico, que atrapa y obliga al espectador a duplicar su atención.
  • Su selección del percusionista Ishikawa Chu - en el que sería el inicio de una colaboración recurrente a lo largo de la carrera de Tsukamoto -, para componer una banda sonora cargada con trashmetal, industrial, post punk, que complementa a la perfección la corrosiva textura de la cinta.
  • Su apuesta por técnicas más cercanas al videoarte (como lo son el time lapse y el stop motion) que a la típica espectacularidad de los largometrajes de terror , no sólo le permitió a Tsukamoto superar los límites técnicos de un presupuesto estrecho, sino que brindó al producto final un exquisito acabado artesanal, a la altura de los trabajos de Jan Svankmajer y los hermanos Quay. A nuestro juicio, la rusticidad lograda en los efectos especiales, en el vestuario y el maquillaje, cumple eficientemente su fin de acentuar el sinsentido apocalíptico, el carácter precario, frágil y decadente de la naturaleza de los personajes.
  • Similar apreciación hay que hacer sobre el trabajo actoral, que responde a la necesidad de mantener a los personajes enmarcados dentro de las performáticas del manga y el anime, auténticas fuentes de inspiración de Tetsuo, en nuestra opinión.

Esta consideración sobre el posible origen gráfico de Tetsuo también encuentra fundamento en la apuesta por el blanco y negro, que brinda un grano a la imagen que, junto a los encuadres, el trabajo de cámara y el montaje, aportan una particular perspectiva plana, bidimensional, y una dramática intensidad ambiental, muy usual en las obras del manga y el anime.

Esta apreciación también toma vuelo cuando se observa cierta similitud entre esta cinta y un clásico de esos géneros japoneses: Akira (Otomo Katsuhiro, 1988, también disponible en nuestra videoteca). En ésta, el coprotagonista, Shima Tetsuo, vive atormentado por su complejo de inferioridad y su frustrante competencia con Kaneda Shōtarō, el líder de la pandilla de la que el propio Tetsuo forma parte. Hasta que accidentalmente descubre los poderes sobrehumanos que posee y que lo llevarán a creerse omnipotente.

Si bien es cierto que entre el estreno de una producción fílmica y otra sólo distan algunos meses, hay que recordar que el manga se publicó exitosamente entre 1982 y 1993, de modo que no se descarta que Tsukamoto conociera esta obra tan popular para entonces. Por otro lado el tratamiento de ciertos arquetipos y temas en ambas obras, es común entre los creadores audiovisuales japoneses.

Ambos Tetsuo (el de Otomo y el de Tsukamoto) sufren una falta edípica, evidente en su ansia por hallar una fuerza sobrenatural que ampare y supere su frágil personalidad. Ésta fuerza será su objeto de goce y, finalmente, el único medio por el cual alcanzarán una fútil felicidad.

Por otro lado, tanto en Akira como en Tetsuo, la forma gráfica que poseen los monstruos biomecánicos es muy similar: desechos metálicos se amalgaman indiscriminadamente para constituir un ser amorfo, repugnante, de apariencia inestable, inacabada e inconsistente, toda una metáfora del humano atomizado y sobresaturado, propio de una sociedad postindustrial.

Sin embargo, el Tetsuo de Tsukamoto tomará un rumbo diferente al de Otomo, cuando finalmente asume que su búsqueda no es más que la de lograr la unidad fálica.

Como Edipo, el Tetsuo de Tsukamoto prefiere combatir a su Layo -presente en su mente como un viejo vagabundo (Ishibashi), en directa referencia a una imagen paterna repulsiva y agresiva-, asimilando su cuerpo al del conductor (Taguchi), su contendiente, y proclamando su lucha contra todo lo orgánico.

Tsukamoto subraya la derivación edípica de su Tetsuo, al presentarlo como una especie de virus artificial, que se inocula en las únicas 2 mujeres de la trama tan sólo para alcanzar a su contendiente. Tras cumplir su objetivo, ellas son desechadas.

La carga homoerótica también se evidencia en las ocasiones en que Tetsuo halla el amor, un amor evidentemente narciso, y que el director enmarca con una intencionadamente ridícula pieza de jazz mainstream. El resto de la cinta, se desenvuelve pendularmente entre la incomunicación de la pareja y el rechazo de la mujer como objeto de amor, en tanto simple vehículo para penetrar en el contendiente.

No es casual que la forma final del monstruo en el cual se transformó Tetsuo y su contendiente (el conductor que lo atropeyó), sea la de un falo gigante, como tampoco es casual que el primer componente dramático de la trama sea el momento cuando Tetsuo, rodeado de amasijos de metales (“Tetsuo es un nombre propio masculino japonés, cuyos dos kanji leídos independientemente significan hierro "鉄" y hombre "”) y recortes de atletas afrodescendientes, se introduce una estaca de hierro en la herida que abre en su propio muslo. La misma estaca que el vagabundo exhibe como pene y utiliza como arma contra Tetsuo.

Ya en su forma final, los protagonistas pierden su distinción entre víctima/victimario y avanzan


Descarga

Formato rmvb. 324mb. Subtitulos en esp adentro (softsub).

Pass: By_MindFreak

Parte 1
Parte 2
SFV


Cuadro de Honor-Mamoru Oshii









Comenzó a interesarse por los mundos de la ciencia ficción, en cualquiera de los ámbitos audiovisuales, desde muy joven. Rodó varios cortos en 16mm como puro entretenimiento antes de pasar al campo profesional. Tras finalizar sus estudios cinematográficos, comenzó en la industria de la animación trabajando para el estudio Tatsunoko Productions a mediados de 1977, debutando como asistente en la serie Ippatsu Kanta-kun.

En 1980 ficha por el entonces desconocido Studio Pierrot, encargándose de la serie Nils holgerson. Oshii colabora también como guionista en otras series y películas, destacando los dos largos de animación de la saga Urusei Yatsura, creada en manga por la conocida Rumiko Takahashi. Oshii presenciaría de primera mano la aparición de un nuevo sistema de venta de animación: el OVA (Original vídeo Animation), considerado una revolución dentro de la industria por las nuevas y enormes posibilidades que abría. Fue el Studio Pierrot quien ideó este nuevo sistema, y Mamoru Oshii tuvo el honor de dirigir el primer producto lanzado en ese formato: Dallos, una miniserie de cinco capítulos, que se considera la primera obra con el sello personal de Oshii. Su argumento, oscuro e inquietante, nos sitúa en un futuro en que la Luna se encuentra ya colonizada y explotada por el hombre, y un grupo revolucionario de selenitas comienza una lucha por la mejora de sus condiciones de vida frente al gobierno de la Tierra, quien a su vez pretende ocultar los secretos de una estructura extraterrestre, una estación espacial llamada Dallos.

Desde ese momento, Mamoru Oshii se convirtió en un referente. En colaboración con Studio Deen guionizó y dirigió en 1985 otro OVA de gran calidad: Tenshi no Tamago, una obra experimental y confusa pero altamente recomendable, que contó con los diseños de Yoshitaka Amano. Dos años después dirigió otras dos historias en formato OVA sobre extrañas desapariciones de personas en Tokio: Twilight Q. A continuación decidió entrar en el campo de la películas de imagen real, con Akai megane (Las gafas rojas), que ya dejaba entrever el mundo de ciencia ficción complejo y fascinante de sus siguientes trabajos.

A partir de 1988 se produce su definitiva consagración, con una saga que alcanzó prestigio mundial gracias a él: Patlabor. Oshii se encargó de dirigir las dos películas, además de las 6 primeras OVAs. Los largometrajes de Patlabor son dos de los mejores trabajos de su carrera, y figuran entre las mejores películas de anime de la historia, gracias a una trama adulta, llena de detalles de genialidad y uniendo los avances y los conflictos del mundo futuro con tramas políticas y personajes extremos. Además, en esos años todavía tendrá tiempo de cambiar de registro y dirigir la parodia Gosenzosama Babbanzai!, en 1989. Otro de sus proyectos más extensos fue Kerberos Panzer Cop, del que ideó una historia múltiple, plasmada en primer lugar en el guión del manga del mismo nombre, que contó con los dibujos de Kamui Fujiwara. La historia recreaba un futuro alternativo en que Japón padecía convertido en un estado policial, con un gobierno totalitario que emplea una fuerza de represión brutal frente a las revueltas y al crimen. A continuación, el propio Oshii adaptaría su guión a imagen real en tres películas: Kerberos Panzer Cop, Stray Dog y Talking Head. En 1998, además, colaboraría en el guión de Jin-Roh, un largo de animación dirigido por Hiroyuki Okiura e inspirado en la obra original.

Llegados al año 1995, Mamoru Oshii fue reconocido internacionalmente gracias a la superproducción Kōkaku kidōtai -Ghost in the Shell-, un increíble largometraje que generó una admiración por la animación japonesa en todo occidente. Basado en la obra homónima de Masamune Shirow, el universo de GITS representa un paso adelante en la imaginería visual y creativa de la ciencia ficción: La profundidad de esta obra merecería un artículo aparte, en el que analizar los conflictos que planteará la evolución humana, la creación de nuevas formas de inteligencia y la búsqueda por parte de éstas de su “alma”. Antes de retomar la trama de GITS, Oshii idearía una obra multimedia, que abarcaba gran parte de los métodos de entretenimiento: Blood, the last vampire. Esta historia de vampiros evolucionados muestra la cara más comercial de Oshii, y su capacidad de innovación al plantear una historia que no se desvela en un solo formato, sino que va aclarándose con cada uno de sus “componentes”: una serie de novelas (escritas por Junichi Fukisaku), la película de animación (dirigida por Hiroyuki Kitakubo), el manga (de Kenji Kitayama y Benkyo Tamaoki) y el videojuego para PlayStation 2.

Si con Ghost in the Shell, Mamoru Oshii se había Ganado la admiración en el campo de la animación, lo mismo sucedería en el terreno de la imagen real con el largometraje Avalon, en 2001, alabado a partes iguales por la crítica más conservadora y su público. Desde la estética de la película hasta la confusión paranoica que experimentan sus protagonistas, todo hace de ésta una parte decisiva de la ciencia ficción del nuevo milenio, influida por el cada vez más difuso límite entre lo virtual y lo real. Hay que destacar el ritmo pausado, casi poético de sus imágenes, y la elegancia y solemnidad de su banda sonora. Consciente del impacto que Ghost in the Shell sigue teniendo entre los aficionados a la buena ciencia ficción, Oshii decidió extender ese universo, pero otra película no parecía suficiente para abarcar su proyecto. Así, mientras se dedicaba a fondo a la preparación de Innocence, la espectacular continuación cinematográfica, también aportaba argumentos que se pudiesen plasmar en una serie de animación. La primera temporada de la serie comenzó en 2003 bajo el nombre GITS Stand Alone Complex: en cada uno de sus 26 episodios de 25 minutos de duración se iba conformando un argumento que poco tenía que envidiar en cuanto a calidad y profundidad a sus versiones en la gran pantalla. El enorme éxito de la serie y su posterior edición en DVD propiciaron su continuidad en una segunda temporada (2nd GIG) que incluso supera en calidad tanto técnica como argumental a su predecesora.















Ghost in the Shell II: Innocence, con un desorbitado presupuesto de 2500 millones de yenes, se estrenó en los cines japoneses en la primavera de 2004. Se trataba de una de las películas más esperadas de lo últimos años, y su calidad superó expectativas. En occidente se presentó en la mismísima Sección Oficial del Festival de Cannes 2004.

Fairy Tail (Manga)
























Nombre: Fairy Tail
Autor: Hiro Mashima
Género: Shonen, Comedia, Fantasía, Magia
Publicación: Shonen Magazine
Año: 2006


Sinopsis:
La historia trata sobre las aventuras de Natsu, un mago con la especialidad de fuego, que busca a su maestro y padre adoptivo Igneel, que resulta ser un Dragón. Siempre va acompañado con un gato azul llamado Happy; en su recorrido se encuentra con Lucy una maga de espíritus estelares que su sueño es entrar al gremio mas famoso "Fairy Tail", la cual llega entrar gracias a la ayuda de Natsu que es miembro del mismo gremio.



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Reparto de voces del anime de Fairy Tail






















El número 36 de este año del magazine de Kodansha Weekly Shonen Magazine anunciará este miércoles los actores de doblaje para la serie de anime de televisión que adapta el manga de Hiro Mashima Fairy Tail:

Natsu: Tetsuya Kakihara
Lucy: Aya Hirano
Happy: Rie Kugimiya
Gray: Yuuichi Nakamura
Erza: Sayaka Ohara

Dance In The Vampire Bund

















La productora Media Factory ha publicado en YouTube el primer video promocional para la nueva serie anime Dance In The Vampire Bund, El anime adapta el manga de Nozomu Tamaki acerca de una princesa vampira que quiere crear un distrito especial para su gente cerca de la costa de Japón, a pesar de los terroristas y las facciones rivales que se le oponen.

http://www.youtube.com/watch?v=UmOEHatpuEA&feature=player_embedded

Posible Live-Action hollywoodense de Paprika

















La información fue publicada hace ya algunas semanas y no ha parado de propagarse profusamente por la red. Y es que de acuerdo al conocido sitio web de cine Moviehole, el prestigioso director alemán Wolfgang Petersen estaría trabajando en una nueva versión cinematográfica -ahora con actores de carne y hueso- de la elogiada novela “Paprika” (1993), obra del escritor japonés de vanguardia Yasutaka Tsutsui (también autor de “Toki wo Kakeru Shoujo”).

Según lo revelado por el mencionado sitio, el realizador de películas como “La Historia Sin Fin”, “La Tormenta Perfecta” y “Troya” ya se encontraría desarrollando este nuevo ambicioso proyecto acerca de las oníricas aventuras de una particular siquiatra, las mismas que se dieron a conocer mundialmente en 2006 con la versión que el connotado director Satoshi Kon (Perfect Blue, Tokyo Godfathers) realizó de la novela en la forma de un largometraje de animé (producción licenciada y distribuida en Latinoamérica por Sony Pictures), y que, por cierto, sería la principal inspiración de esta nueva película.

Lo llamativo de la información es que Petersen no se ha puesto tras las cámaras desde hace más de 3 años, época en la cual estrenó la súper producción “Poseidón” para los estudios Warner Bros. Ello da a entender que este nuevo proyecto habría sido bastante meditado por el cineasta, lo que desde ya genera altas expectativas (más aún, teniendo en cuenta la gran factura de sus anteriores obras).

“Paprika” gira en torno a una terapia aún no autorizada en la cual es posible visualizar e insertarse en los sueños de las personas a través de un aparato llamado “DC Mini”. Lo que en un principio surge como una gran oportunidad para solucionar ciertos trastornos siquiátricos, pronto se transforma en todo un problema cuando se descubre que dicho invento ha sido robado con oscuros objetivos.

Regresa popular manga de ciencia ficción

















Recientemente, la editorial Enterbrain informó que en el número de septiembre de su revista Comic Beam (a la venta el sábado 12 de dicho mes) se incluirá un nuevo capítulo del afamado manga “Desert Punk” (conocido en Japón como “Sunabozu”) del dibujante Masatoshi Usune, luego de 4 años y dos meses de la publicación de su anterior entrega.

De esta manera, se pone fin a la molestia de los fans que seguían la obra desde su inicio de publicación en agosto de 1997, y que en 2005 vieron como el preciado título se quedaba sin conclusión aparente, habiéndose recopilado hasta la fecha en 13 volúmenes. Y es que el manga de Usune se convirtió en un verdadero éxito en ese tiempo, tanto así que el prestigioso estudio Gonzo (Trinity Blood, Speed Grapher) decidió llevarlo al animé en la forma de una serie de televisión de 24 episodios a fines de 2004, lo que elevó aún más el reconocimiento del título y ayudó a su aterrizaje fuera de las fronteras de Japón.

“Desert Punk” es un manga de ciencia ficción que nos sitúa en un Japón del futuro donde, luego de una feroz catástrofe nuclear, el paisaje es dominado por zonas desérticas. Allí, un mercenario apodado “Desert Punk” (“Sunabozu” en japonés) trabaja como cazarrecompensas a la vez que su excesiva debilidad por las chicas guapas le acarrea todo tipo de problemas.